Arsies Studio Blog: abril 2011

PREFACIO: Este artículo lo escribí hace bastante tiempo con idea de publicarlo en la revista Fantasy Dimension, que por desgracia se cancelo sin completar ni tan siquiera su primera tirada de 6 números. Ha pasado mucho tiempo desde entonces, estamos hablando de finales del 2009, ahí es nada. Es posible que el texto haga referencia a momentos cercanos a aquellas fechas dado que es el texto original, con algunos recortes para hacerlo más manejable en un blog, con casi 2 años de antigüedad.

No hace mucho que comencé a pintar figuras de 54 milímetros (NOTA: Evidentemente hace 2 años de eso, ahora ya tengo pintadas muchisimas figuras de 54 mm). Después de varios acercamientos para adaptarme a la escala y un BoxArt comercial con los que aprendí un montón de cosas, me sentía preparado para afrontar una figura con la confianza de tener la capacidad de hacer un gran trabajo.
En este justo momento y como caído del cielo, un cliente contactó conmigo para pintar un Falkar, una grandísima figura de Andrea miniaturas que reunía todas las características necesarias para probarme a mí mismo.

No oculto que el encargo me asustó al principio, no es una figura sencilla, tiene muchos elementos, es grande y va enfocada claramente a un ambiente invernal, y debo reconocer que hasta hace poco yo era claramente un pintor de ambientes cálidos, pero también había varios factores que me empujaban a iniciar esta aventura.

Tengo que decir que a pesar de las buenas sensaciones que tenía antes de empezar a pintar, el resultado final superó con mucho mis expectativas (y las del cliente) siendo a día de hoy mi figura preferida de todas las que he pintado hasta el momento. (Nota: Evidentemente esto ha cambiado a día de hoy, aunque el falkar sigue siendo una de mis figuras predilectas)

He pegado la figura a un bote de pigmento con un poco de blutac para poder agarrarla más cómodamente y ya puedo comenzar a pintar.

Para el pintado decidí limitarme a una paleta de colores terrosos, grises y verdes, añadiendo algún punto de magenta y granate para dar color.

Es importante decidir con que colores voy a entonar la figura puesto que deben aparecer en todas las mezclas y no pueden desvirtuarme las propiedades del color base que estoy pintando.

Además la figura va a ir en un ambiente frío, pero no quiero una figura saturada de azules, sino una figura que de sensación de frío pero no me limite el uso de amarillos, rojos y naranjas, por tanto decidí que podría permitirme el uso de carne dorada en la practica totalidad de las luces, eso me daría el punto de intensidad y amarillo necesarios sin saturar ni calentar en exceso.
A mi me gusta saturar los tonos medios de luz y desaturar los tonos altos, por lo que decidí que después de los tonos con carne dorada, podría blanquear las luces máximas con carne base y luego reintensificar los puntos de luz con ivory.
Para las sombras casi todas las mezclas llevan azul marina oscuro y púrpura, y en caso de ser necesario, negro.
Además enfrié todas las bases añadiendo azul oxford.

Se puede pensar que metiendo esta cantidad de colores idénticos en todas las mezclas, al final los colores resultantes van a ser demasiado iguales, y es cierto, pero debemos entender el funcionamiento del ojo humano antes de auto limitarnos con estos conceptos.
La percepción del color por el ojo es realmente muy subjetiva, el cerebro interpreta las señales visuales del color asociándolos a patrones ya conocidos y almacenados previamente en la memoria, de esta manera podemos pintar una piel de color verde y el ojo asocia eso a una piel normal vista con un filtro verde, de la misma forma cuando vemos una película en blanco y negro el ojo adapta el contraste y la saturación para asociar cada tono de gris a un color para ese elemento conocido.
De esta forma podemos pintar una figura con colores muy similares entre si puesto que la ligera variación de tono de uno a otro nos aportará una sensación de colores diferentes una vez terminada la pieza, es decir, no nos daremos cuenta de la igualdad de color.
Este principio funciona mejor cuanto más grande es la pieza, yo lo he aplicado con éxito en figuras de 28 milímetros, pero es cierto que al ojo es mucho más difícil de ver que en una pieza mayor.
Además el pintor debe tener esto muy claro y tener siempre presente que el efecto no funciona hasta que la figura está prácticamente acabada, puesto que las zonas de imprimación rompen totalmente la sensación igualando entre si los colores ya pintados mucho más de lo que están en realidad.

Con todo esto claro en la cabeza me tiro de lleno a pintar la zona de principal atención de la figura: la cara.

Para mi es importante pintar siempre la cara lo primero puesto que si no me gusta puedo retocar sin miedo una y otra vez sabiendo que no voy a estropear nada más.
Además desde que empecé a pintar esta escala había trabajado mucho en los tonos de piel corrigiendo y probando en función de los resultados anteriores, y tenía la corazonada de que la mezcla a utilizar me iba a dar buenos resultados.
No es importante saber que colores he utilizado para pintarlo porque son los mismos que siempre se utilizan para pintar caras, en este casi he utilizado una base de carne dorada, rojo oscuro, uniforme ingles y azul Oxford, pero se podría hacer con cualquier otra combinación, lo difícil son las proporciones de los colores que decidáis utilizar, y esto, por desgracia, es muy difícil de medir y explicar, por lo que aquí entra la práctica que tenga cada uno y el gusto personal por un tipo u otro de piel.
Solo comentar que buscaba una piel agrisada, por lo que además de añadir uniforme ingles para apagar como suelo hacer, también añadí azul oxford que es muy agrisado y me va a restar intensidad, además al ser un color bastante frío me ayudaría con la ambientación de la figura.
Busque colocar los volúmenes de forma realista y a la par maximizar la expresión de la cara. Una vez contento con el resultado trabaje a veladuras para conseguir un acabado perfecto manteniendo los volúmenes y trabajando los tonos en esta misma fase para dar algo de riqueza cromática a la composición, a sabiendas de que según fuese avanzando la figura aún tendría que retocar un poco esos tonos para acomodarla al progreso del resto de la pieza.

El siguiente paso importante es enmarcar la cara para no perderla entre al figura y poder seguir pintando el resto de elementos sin tener sensación de incompleto, para ello aprovechando los volúmenes de la capa que se agrupan alrededor de la cabeza y el cuello decidí pintarla oscura, lo que maximizaría el contraste con la cara que es muy clara (en realidad es la parte más clara de la figura, lo cual va a ayudar tremendamente a focalizar la atención en ella).
La capa la he pintando gris azulada con una base verde oliva de Andrea y azul marina oscuro, al tener una base verde y añadir potencialmente más verde en las luces decidí acrecentar el contraste añadiendo mucho magenta y púrpura a las sombras, colores con una gran proporción de rojo que es complementario del verde. Es una zona que esta especialmente bien modelada y no tiene ninguna dificultad.

El peto de placas no quiero que tenga ningún tipo de atención en la figura, por lo que lo pinto de un gris neutro, en este caso adeptus battlegrey, y lo entono añadiéndole a las sombras púrpura, magenta y azul marina oscuro.

Para los cueros uso también diferentes marrones muy neutros que no van a llamar nada la atención, podéis usar cualquier marrón como khemri brown, sombra tostada o uniforme inglés, yo no recuerdo cual use de base, excepto en las placas de armadura de los hombros y la cadera que quiero que den sensación de robustas, para lo cual intensifico un poco el tono general con un marrón mas intenso de base como caltan brown o scorched brown, o velando por encima con ellos o con vermin brown o algún amarillo, centrando la atención levemente en ellas sobre su entorno y maximizando el contraste al igual que haría en un metal no metálico, solo que sin llegar a esos extremos. Además trato las luces y sombras mediante un texturizado con punteados que después suavizaré con veladuras.

Los cinturones de cuero los resalto del resto aplicándoles unas tintas con lo que consigo diferenciarlos por acabado en lugar de por intensidad.

El saco de dormir lo pinto muy similar a la cara pero mas beige y algo más oscuro, creo que he usado khemri brown y azul marina de base, diferenciándolo por acabado esta vez con un acabado mate algo empolvado que se consigue con aerógrafo, y meto algo de color en las mangas con un granate que me ayuda a que los tonos rojos de la cara destaquen menos, aportando naturalidad a la escena. Como no puedo pintar un único elemento con un color de rotura como este sin que quede extremadamente raro, añado un detalle pintando la vaina de la espada en un tono similar.

El pelo de la capa lo he pintado con óleos dando sucesivos lavados sobre una base de acrílico y luces aplicadas con aerógrafo. Nada demasiado difícil, una base de marrón iluminada con ivory o algo así y sombras con oleos en marrones cada vez mas oscuros.

Necesitaba centrar la vista en la parte superior de la figura, por tanto decidí pintar las placas de las espinilleras de un color oscuro. El metal metálico no me convencía, y no quería limitarme a metales y cueros para las diferentes partes de la pieza, por lo que opté por pintarlas de un color muy similar a la capa pero acentuando el contraste y las diferentes tonalidades para darle un aspecto más pulido acorde con el tipo de material que debería proteger esta parte de la anatomía. Recordad la capa: azul marina oscuro y verde oliva de colores base.
Utilicé grandes cantidades de magenta y púrpura en las sombras, incluso alguna tinta con el fin de acrecentar la sensación de superficie levemente reflectante, mientras que en las luces añadí también una buena proporción de ivory hasta llegar a ese color prácticamente puro.

Asimismo pinte guantes y botas con una mezcla de grises y marrones que no destacase en exceso, centrándome en los guantes para maximizar el contraste y dar expresividad a las manos, compensando parcialmente el color inanimado.

El pelo de las botas lo pinto exactamente igual que el de la capa, como dije antes, no quiero tener grandes variaciones de color en la figura que distraigan al espectador de la escena global.

Pinto los metales dándoles primero una base de color negro que hará que resalten añadiéndoles profundidad y obteniendo un acabado no demasiado brillante que restaría realismo, después trabajo con boltgun, mithril y tonos marrones, negros, verdes y azules, estos últimos para darle un aspecto frío al metal acorde con la escena. En este caso los he aplicado a veladuras después de situar las luces del metal, pero si busco un aspecto más gastado y mate los mezclaría con el color metálico desde el principio, recordad, hay que probar muchas cosas diferentes y no limitaros a hacer siempre lo mismo.

Pinto los brazales con marrones muy oscuros para buscar un cuero negro con acabado gastado, es muy importante perfilar bien cada pieza y cada volumen para separar bien unas partes de otras en la figura ya que el resultado final va a tener tan poca diferenciación de colores y tonos que si no se nos perderían en un todo sin forma.

Añado un pequeño toque de color con la cinta púrpura de la cintura, procuro que no desentone en exceso con el resto de la pieza. En realidad esto no es necesario, es mas, es un riesgo, pero esto fue un capricho mío tras poder ver una figura pintada en esos tonos que me encantó.

Es mejor ponerme con la peana antes de seguir con las piezas que me faltan, por lo que pego unos arbustos, unas hojas, algún palito etc... y pinto la base antes de añadir nieve.
La mayoría de la gente aplica la nieve tal cual, mezclando con cola, cola y agua o espolvoreándola por encima. ¿si pintamos los hierbajos después de pegarlos porque no lo hacemos con la nieve? Siempre la veo muy artificial en otras figuras.
En mi caso después de aplicarla y una vez seca la traté con barnices y tintas dados con aerógrafo, de esta manera consigo integrar la nieve en la escena sin que se me coma la figura por su claridad y además le doy un toque de humedad que aportará más sensación de frío. Yo he usado barnices de vallejo, brillante y satinado, bien disueltos en agua para no atascar la boquilla, y limpiando muy bien después el aerógrafo.

Pinto también los detalles de la capa que se me habían pasado en algún momento.

El escudo lo pinto como las placas de las espinillas, pero esta vez lo hago aplicando un texturizado muy sutil con el aerógrafo a baja presión.
Los metales van exactamente igual que en el resto de la figura, y por ultimo añado otro toque granate para incorporar el color de rotura en alguna zona más de la figura. En este caso lo pinto como una gema y le doy un generoso baño de barniz brillante.

Pinto las lanzas que van a completar las posesiones de nuestro héroe y lo pego todo con cuidado, cianocrilato y acelerante, luego repaso las uniones con sumo cuidado.

Repaso la figura completa buscando pequeños desconchones propios de la manipulación, zonas que no estén bien acabadas etc, y más cosas a corregir.
Y por ultimo aplico los barnices necesarios para dar brillo o satinado a las partes que quiero diferenciar, nuevamente como en la nieve uso barnices satinado y brillante, esta vez a pincel, con esto lo que busco es que el aspecto de diferentes partes de la figura pintadas con tonos similares se diferencien por su comportamiento con la luz, de esta forma un verde mate y un verde satinado pintados igual parecen dos materiales diferentes.

Como conclusión, debo decir que a pesar de lo impresionante que es la escultura de esta figura, lo tremendamente compleja que parece y lo mucho que asusta en un principio, es una de las figuras más sencillas que he pintado, mas agradecidas y satisfactorias con mucha diferencia.
Me gustaría recomendársela a todo el mundo puesto que a poco que uno se esfuerce con ella, le dedique tiempo, cariño y mucho mimo, conseguirá producir una de las mejores miniaturas de su colección.